Safe, de Arno Schitemaker, es uno de esos trabajos que contiene un momento tan especial que hace que el resto del espectáculo casi desaparezca de tu cabeza. Lo sentí más como un proyecto en proceso que como un espectáculo totalmente acabado, pero los pequeños y maravillosos detalles hicieron que valiera la pena el paseo apresurado en bici para llegar al Melkweg a tiempo. Una pena que el pase de los domingos suele estar más vacío de público (para mí las cuatro de la tarde es una hora extraña, incluso en un país en el que se cena a las siete). Todos los trabajos que he visto desde que estoy en Amsterdam tienen un ingrediente común: el contacto directo con el público, algo que a mí normalmente me irrita (considero que tiene que ser algo motivado, no forzado). Aquí sin embargo el público se vuelca y se muestra extrañamente feliz ante situaciones como que se les ordene quitarse los zapatos o contener la respiración.

Hay momentos en los que simplemente deberíamos disfrutar de lo que tenemos a nuestro alrededor, sin preguntarnos si estamos donde debemos estar, sin plantearnos si todo aquello nos traerá algo bueno en el futuro, sin pensar, vaya, sin más.

Es por este motivo que sobre esta pieza sólo tengo una cosa que decir: si tienes oportunidad de verla, ve y disfrútala. Disfrútala mucho. Yo ya lo he hecho.

I Really Want to Stay Here Now- Ricardo Santana, Iván Marcos y Mónica García

Arriesgarse siempre vale la pena. No conformarse, pensar en algo nuevo, diferente. Avogo por hacer lo que nos apetece hacer, por crear lo que nos pide el cuerpo, sin pensar en los riesgos, porque el resultado como mínimo es distinto al de aquellos que se conforman, y en el mejor de los casos, una maravillosa sorpresa.

De algún modo he vivido parte del proceso creativo de Por que se coce o meniño na polenta?, la coproducción de Sapristi Teatro con el Centro Dramático Galego presentada recientemente en Compostela. Y en la distancia he visto crecer un proyecto arriesgado de Sapristi Teatro con Roberto Leal al mando de la dirección.

Roberto decidió arriesgar llevando a escena un espectáculo inspirado en el volumen autobiográfico del mismo nombre de la rumana Aglaja Veteranyi. El proyecto inicial era cuanto menos valiente. En el libro la actriz y escritora narra su dura infancia a lomos de una roulotte de circo ambulante. Una infancia marcada por la inestabilidad personal y laboral de su familia, por las excentricidades de sus padres y la explotación a la que fue sometida.

No es fácil llevar una historia semejante al teatro, no es fácil interpretar un papel consistente en un monólogo de hora y veinte minutos, no es fácil entretener, sorprender y emocionar con todos estos ingredientes. El camino fue duro, y hay momentos mejor conseguidos que otros. Pero el resultado final sin duda vale mucho la pena. Nuria Sanz está espléndida en el papel de Aglaja y Roberto Leal consigue construir una historia en la que las píldoras de humor y el juego de imágenes son ingredientes fundamentales. Leal está presente en escena sin estarlo, transmite irremediablemente su personalidad a este espectáculo. La iluminación a cargo de Baltasar Patiño, y el trabajo de escenografía y vestuario de Marta Pazos, sin duda acaban de rematar un trabajo hecho con cariño y voluntad creativa. Es un trabajo que sale de las entrañas de sus creadores y se dirije a las de los espectadores. Es un espectáculo que debería verse más de una vez para disfrutarlo de verdad, advertir las sutilezas de los textos y percatarse de los pequeños detalles.

“Cara pintada. El salto de la rana y otras pequeñas historias.” es el espectáculo más redondo que he visto en mucho tiempo. Janet Novás presentaba este fin de semana en el Teatro Ensalle de Vigo este sólo que te deja un vacío en el corazón cuando acaba, al tiempo que sales de la sala cargado de una sensación maravillosa. Es un espectáculo que contiene la emoción justa, la dosis de humor justa. En cuarenta y cinco minutos de espectáculo se generan recuerdos equivalentes a un año de experiencias. Pero eso no es todo, ver a Janet bailar es un regalo. La calidad de movimiento es espectacular y su expresión es una pregunta directa al corazón.

Gracias Janet

Hace tiempo que conozco la trayectoria de Javier Martín. Le he visto formarse, le he visto empezar a bailar y he asistido a sus últimos trabajos. Considero que ha nacido para bailar, que tiene un cuerpo privilegiado para trabajar con el movimiento, que tiene presencia, que vive lo que baila, que sabe emocionarse…

Pero lamentablemente creo que la cuarta pared se va volviendo opaca cuando baila. Yo le veo emocionarse y siento que esa emoción no llega hasta mí. Creo entre otras cosas que a Javier lo que le falta es un poquito de valor para enfrentarse al enemigo. Le falta alguien fuera que analice su trabajo minuciosamente, que se lo desgrane, que se lo destruya para que después pueda ser construido con más coherencia.

Desde mi punto de vista, personal y por tanto criticable, he visto la evolución en el movimiento de Javier en sus últimos trabajos, como ha ganado en detalles y en calidad de movimiento, pero no he visto evolución en la construcción y el tratamiento de la pieza. Considero que el mayor problema reside en el ritmo, en la dosificación y la evolución de lo que ocurre a lo largo de la hora que está encima del escenario. Falta algo, y lo que falta es muy importante, y no creo que sea algo que para él sea imposible de conseguir. Pero tiene que enfrentarse al enemigo, trabajar con otros, defender sus ideas ante otros, aceptar las ideas de otros.

Como espectadora siento que en ocasiones los creadores no se preocupan de cuidar al público.
Hay trabajos, como el de Estela Lloves en Knochenblume, que me interesan por muchos motivos: creativos, intelectuales, emocionales. El trabajo me hace pensar, genera imágenes e ideas en mi cabeza, y ya sólo por eso no puedo decir que no me interesa. Pero la realidad es que voy al teatro, me siento en la butaca, siento, veo, escucho, finaliza la función y me pregunto, ¿por qué me hace esto?.
Siento que en ocasiones los creadores no piensan en cuidarme. No piensan en que yo llego a la butaca del teatro cargada con un cúmulo de emociones del que no me puedo deshacer por estar dentro de esa sala, no piensan que el espectador de teatro asume el compromiso de sentarse en esa butaca a ver, escuchar y sentir lo que le propongan, sea lo que sea, sin levantarse de la e irse por la puerta, sin protestar, sin darle al pause.
Con todo esto no quiero quitarle valor al trabajo. Pero siento que hay creadores que recurren al hecho de molestar al espectador como un juego, que recurren a las emociones duras de un modo demasiado sistemático, que no buscan el momento de recompensarle, de darle tregua.
Pienso que que existan ese tipo de creadores puede que sea necesario, pero también estoy segura de que no quiero ser uno de ellos. Para mí el teatro es un lugar del que siempre desearía salir con esperanza.

Knochenblume (Flordehueso) Trailer de cia Arraiana en Vimeo.

“A saudade
pro coração de um capoeira
é igual a uma rasteira
faz o berimbau parar,
ou então
faz tocar um toque de angola
onde o capoeira chora
mesmo sem querer chorar,
e ai se vê
o lamento de um guerreiro
sem rumo e sem paradeiro
o poeta que aparece,
ele se esquece
que é forte e perigoso
tira o lenço do pescoço
e solta um verso no ar,
que diz: amor,
por favor, espere um pouco
não vai me trocar por outro
eu vim aqui e já volto já…”.

“Nuevamente ante ti fascinado…” es el nuevo trabajo de la compañía de Daniel Abreu. Un trabajo íntimo, pausado, tierno, que se disfruta tanto fuera como dentro del escenario.

Lo último que yo había visto de Dani era “Perro”, un espectáculo duro en el que el trabajo corporal es impecable, asombroso.

Una vez más, ante ti, fascinada…